ぶんぶんのへそ曲がり音楽日記

オペラ、管弦楽中心のクラシック音楽の音楽会鑑賞記、少々のレビューが中心です。その他クラシック音楽のCD,DVD映像、テレビ映像などについても触れます。 長年の趣味のオーディオにも文中に触れることになります。その他映画や本についても感想記を掲載します。

2012年07月

2012年7月29日
於:新国立劇場(1階2列、中央ブロック)
 
日中国交正常化40周年記念
ヴェルディ「アイ―ダ」:演奏会形式による公演
指揮:広上淳一
アイ―ダ:ヘー・ホイ
ラダメス:水口 聡
アムネリス:清水華澄
アムナスロ:ユアン・チェンイェ
ランフィス:妻屋秀和
エジプト国王:ティエン・ハオジャン
管弦楽:東京フィルハーモニー管弦楽団
合唱:新国立劇場合唱団
    国家大劇院合唱団
 
日中の中堅どころがそろって、絢爛たる、歌の饗宴だ。演奏会形式だから歌手は声で勝負するしかない。レコード芸術8月号のマレク・ヤノフスキーのインタビューでも演奏会形式について語られているが、へたな演出があるよりずっと楽しめる。今日の公演は歌手に穴がないこともあって久しぶりにヴェルディのオペラを堪能することができた。最近は演奏会形式でも手が込んだことをする場合があるが、今日の公演では、まさに演奏会形式で、シンプルそのもの。舞台の奥に合唱団が陣取り、その前にオーケストラ、そして舞台左前に歌手たちが並ぶ。演技はほとんどない。わずかにラダメスとアイ―ダが3幕や4幕で手を握るぐらいだ。
 まずタイトル・ロールのヘー・ホイ。堂々たる声で立派なアイ―ダだ。しかし私にはたとえば1幕の「勝ちて帰れ」など少し味付けが濃いように感じた。だからアムネリスの清水との恋のさや当てではアイ―ダのほうが押し気味でドラマとしては少々アンバランスの感あり。これはこの曲を長年カラヤン59年盤/ウイーンフィルで聴いてきたからだろう。あの録音のアムネリスはシミオナート、アイ―ダはテバルディでもちろんテバルディのアイ―ダも素晴らしい、が役作りのせいか可憐なイメージの歌唱で、シミオナートの女王然とした歌唱と対照的だった。この録音を40年以上聴いているのでその印象がこびりついているためだろう。ちなみにカラヤンはその後ベルリンフィルで入れなおしているが、私にとっては59年盤のほうがヴェルディを聴くのにしっくりする。新盤は何か構えが大きすぎるような気がする。それがヴェルディの音楽の熱気と云うか勢いを削いでいるように感じる。まあ余談です。
 アムネリスの清水は先日のサントゥッツァよりずっと良い。声が低い声から高い声までのつながりに違和感がない。4幕のラダメスの説得の場面などは誠に情感あふれる歌唱で聴かせた。
 男声陣では水口が熱唱。ヘー・ホイに負けずに張り合うから、2人が絡む場面はものすごい迫力だ。例えばアイ―ダがラダメスに抜け道を聴く3幕の2重唱など大熱演。
 アモナスロのチェンイェも立派な歌唱。3幕のアイ―ダとの2重唱は手に汗握る迫力だ。声に凄みがある。底力があると云うよりもう少し張りのある声だ。
 妻屋もハオジャンも全く過不足ない歌唱。このように歌手陣が充実しているので、例えば2幕の後半から幕切れまでのアンサンブルが素晴らしかった。演奏会形式でも十分ヴェルディの音楽の素晴らしさを味わうことができた。東フィルももう新国立の座付きオーケストラのようで安心して聴ける。指揮の広上もきびきびした指揮だった。演奏時間は2時間と短かったのはかなりカットがあったため。例えば2幕冒頭のバレエシーンなど5か所ほど。広上は「はあはあ」と声を出したりする相変わらずの指揮ぶりで、演奏会形式のオペラでは邪魔であり、抑えて欲しい。
                                                       〆
 
 

2012年7月26日
 
レコード芸術8月号でマレク・ヤノフスキーのインタビュー記事が載っており、オペラの演出について誠に同感の発言をしていた。彼は2014年から東京でワーグナーのニーベルンクの指環をコンサート形式で演奏する。その背景についての発言だ。
 このインタビューでは舞台付きのオペラから意識的に遠ざかっていますね?という聴き手の問に次のように答えている。少々長いが引用する。
「舞台付き上演に何十年と取り組んできて感じたことですが、特にドイツ、西ヨーロッパでは、オペラを視覚的なものとして捉える傾向が強くなっている。これは誤った道だと云うのが私の信念です。1990年代の中ごろから、あまりにひどい演出を多く経験し、これに対抗した舞台づくりをしても意味がないと思うようになりました。ドイツでは批評界も、ごく少数の例を除き、それらが革命的解釈であると固く信じていますからね。与するか、袂を分かつか。そのどちらしかない。それでオーケストラピットではもう二度と指揮はすまいと心に決めたのです。舞台表現の昨今の展開をよしとする者は、やればよい。私は関わりたくないということです」。オペラを視覚的に捕えることに迎合するのは日本でもそうだ。先日のカヴァレリアやパリアッチなどは良い見本。大体このインタビューの聴き手であるインタビューアー自身がそういう演出を歓迎している人のように私は思う。実際ヤノフスキーの上記の発言を「しかと」して次の質問に移っているのだから。このインタビューアーは昨年のバイロイトのローエングリンのライブ中継であのノイエンフェルス氏の奇妙な演出を礼賛していたのだから仕方がない。まあそれはどうでもよいのだが、それにしてもこのヤノフスキーの発言は私が日ごろオペラの演出について思っていたことを見事に代弁している。
 と感心していたらこの雑誌の177ページで、そのバイロイトのローエングリンの演出を礼賛している輩がいたので紹介する。これも引用が長いがご容赦願いたい。この引用も音楽の友社には無断だがお許し願いたい。
「ノイエンフェルスの実験室演出については詳述するスぺ―スがないのが残念だが一言だけ。最後に登場する胎児は、時満ちてから呼びもどすはずだったゴットフリートを、心ならずもその前に連れて来ざるを得なかったことの不幸を象徴するものであり、誰もが幸福にならないこの作品の精神をもっとも適切な形で表現し得ていると考える」。私はこの解釈はわからないわけではない。しかしこれはどう考えてても後付けだ。あの映像をご覧になった方で、あの化け物みたいなゴットフリートが胎児と思った方はおられただろうか?少なくとも私には胎児とは夢にも思えなかった。化け物としか思えない。その場であの演出を見て上記のような解釈ができる方は何人おられるだろう。バイロイト1800席の聴衆の何人がそう思えただろうか?後付けの解釈など何の意味がない。その場であれはどういう意味かなんて考えさせるような演出は、もうその時点で聴衆から音楽を引き離しにかかっているとしか思えないのである。もうひとつ最近のローエングリンの演出では「誰もが幸せにならない」、夢も希望もない演出が幅を聴かせているのも個人的には納得できないところだ。エルザの弟のゴットフリートが帰ってきたのだからブラバント国としては明るい将来を期待できるのではないだろうか?ヤノフスキーのインタビューからかなり脱線してしまった。
 脱線ついでに1977年の録音のアバド/スカラのヴェルディ「マクベス」のCDの解説に演出家のジョルジョ・ストレーレルが次のように書いている。これも長いが引用する。「オペラに基本的な問題を一般的なかたちに敷衍してみると以下のようになる。可能な限りトータルな解釈、つまり音楽とストーリー性が相乗的に作用しつつ、生き生きとしたかたちで、その総合にまで至ったその頂点において、今日の聴衆に提供することであり、それに尽きる。しかし多分これでは、演出家の仕事としては不十分と思われるかもしれないが、これとて、演出家にとっては荷の重い課題なのである」。世の演出家のみなさんがストレーレルのように謙虚であったらと思わないではいられない。私の願いはとにかく音楽を聴くのを妨げない舞台なのであるから!
                                                        〆
9月3日追記
エド・デ・ワールトもこう云っている。「オペラは最高にうまくゆくなら、望みうる最も完全な芸術形式ですよ。もっとも、望みうる最悪の経験のひとつになりかねませんがね。・・・私に関する限り、オペラの一番の病根は、歌手でも指揮者でもなくて、演出家です。演出家ときたら、スコアの中に、私がいくら善意に解釈しても発見できないものを何かしら読みとっちゃうのですからね。私は芝居に興味ありません。私のしたいのはオペラなんですからね。オペラは音楽劇ですが、いくら劇だと云っても、ある種のことはできないくらい、わきまえてもらわないとね。作曲家がピアニッシモで書いているのに、ステージ上では十人とか二十人とかがドタンバタンやるんじゃ、とっても大事なものがどこかへ消し飛んじゃうわけですよ。」
注:新世代の8人の指揮者(フィリップ・ハート著)音楽の友社
                                                         〆

2012年7月21日
於:サントリーホール(1階17列中央ブロック)
 
東京交響楽団、第602回定期演奏会
指揮:ユベール・スダーン
バリトン:ヴォルフガング・ホルツマイア(マーラー)
テノール:チャールズ・キム(リスト)
男声合唱:東響コーラス
 
マーラー:歌曲集「さすらう若人の歌」
リスト:ファウスト交響曲
 
マーラーは情感たっぷりの歌唱だ。リートのエキスパートらしく素晴らしい表現力だと思った。特に1曲目と4曲目は感動的。失恋の歌だから、そういう心情をたっぷりこめて歌うのは当然だが、2曲目と3曲目は私には少々情感過多でもたれる。そういう面で云うと1曲目と4曲目は曲想にあって実にしっくりきた。4曲目の「その菩提樹のもと・・・」や1曲目の「青くて小さな花よ・・・」の歌唱はしびれるくらい美しい。この曲はゾッフェル/インバルの録音で親しんでいるが、今夜のような男声で聴くのもいいなあと思った。
 リストのファウスト交響曲は滅多に演奏されない曲だ。それにしてもゲーテのファウストは実に多くの音楽家に刺激を与えた作品だ。私はその中ではボイートの「メフィストーフェレ」、ベルリオーズの「ファウストの劫罰」そしてリストと同様ファウスト第二部の最終場を歌詞にしたマーラーの「交響曲第八番」がお気に入りだ。
 リストのこの曲は物語と云うよりもファウスト、グレートヒェンそしてメフィストフェレスの性格描写をそれぞれ1楽章づつで行っている作品だ。この曲を最初に聴いたのはショルティ/シカゴのCDで、これは実にゴージャスな演奏で、リストってこんなんかなあと思って、1回聴いただけでお蔵入りしてしまった。しかし今回聴くにあたって、このCDを取り出して久しぶりに聴いたらなかなかよかったので、今夜の演奏は期待していた。
 スダーンの演奏は、ショルティに比べると随分テンポも速く、軽快で、全体は重量感よりも透明感重視の演奏のように感じた。ショルティは74分の演奏時間に対してスダーンは64分弱だからかなり速いが2楽章がショルティが23分に対してスダーンが15分なので、おそらく少々カットしたものと思われる。しかし1楽章も3楽章も数分スダーンのほうが速いので、全体としてもこれだけの差が出たものと思われる。だから最初聴いた時に随分ショルティとは感触が違うなあと感じた。
 今夜の演奏で圧巻は3楽章だろう。ここでは登場人物のそれぞれの主題が全部登場するので変化も大きく、合唱やソロ、オルガンも参画した壮大な曲で、聴きごたえがある。スダーンは前半のオーケストラだけの部分はかなりの快速ペースでオーケストラをぐいぐい引っ張って行って痛快だ。合唱とソロはオーケストラ部分が演奏している間に入場、ファウスト第2部の最終場の大詰め「なべて、過ぎ去りしものは・・・」を合唱とテノールソロが歌う。テノールは「永遠なる、女性的なるもの・・・」以下を反復。このキムの歌唱は実に素晴らしく聴きごたえ十分。合唱もオーケストラも立派なものだった。この3楽章の壮大さはライブでしか味わえないだろう。
 2楽章はフルートで吹かれるグレートヒェンのテーマが美しい。1楽章はファウストの性格描写の楽章だが、快速なためか少々単調で退屈な部分も無きにしも非ず。でも3楽章が素晴らしかったのとマーラーが予想以上によかったので大満足の一夜だった。
                                                        〆
 

イメージ 12012年7月19日
於:サントリーホール(1階16列左ブロック)
 
東京都交響楽団、第738回定期演奏会
指揮:小泉和裕(大植英次、頸椎症のためキャンセル)
 
ベートーベン:「エグモント」序曲
ワーグナー:楽劇「トリスタンとイゾルデ」より、前奏曲と愛の死
(もともとは前半はリヒャルト・シュトラウスのばらの騎士組曲であった)
チャイコフスキー:交響曲第六番「悲愴}
 
会場に着いたら、貼り紙がしてあって大植が頸椎症でキャンセルになっていた。ばらの騎士の組曲を聴いてみたかったのにちょっと残念。しかし代演の小泉による演奏は最近の都響の好調さを物語る立派な演奏だった。
 まずエグモントだがとにかくオーケストラの音のバランスが実に良い。例えば終結部は強烈に盛り上がる部分で金管などが張り切るわけだけれど、今夜の演奏はどの楽器も決して突出しない。どうどうたるピラミッド型のオーケストラで立派なベートーベンを聴かせてくれた。また弦がいつも以上に澄明なのも印象的。都響は時折細身の弦になるが今夜はそのようなことはない。特に次のトリスタンは澄明な弦が印象的だった。やや早めのテンポで、重厚より透明を重視したスマートなトリスタンだった。愛の死のクライマックスでも決して音ががなりたてることなく、盛り上がってゆくところは感動的でさえあった。
 チャイコフスキーはどちらかというと、ロシア風というか、標題的というか、そう云ったものを排除した演奏のように感じた。例えば1楽章の愁いを帯びた第2主題などは、決してねっとりとは指揮をしないのである。まあ聴き方によってはさらっとしすぎていると感じる方もいらっしゃるだろう。展開部に入ってからは猛スピードで駆け抜けるが、少々スポーティな印象。2楽章も決して甘ったるくならないのが良い。3楽章は速めのテンポで駆け抜ける。迫力はなかなかのものだが、音のバランスが崩れないのが良い。4楽章は流石に標題を意識したかかなり情感をこめた音楽でクライマックスまでの道のりや、頂上における音楽など熱気を帯びた演奏だった。演奏時間は45分でカラヤンの64年盤とは楽章間の差はあるが、総時間はほぼ一緒。カラヤンは何回もこの曲を指揮しているが久しぶりにこの64年盤を聴いて誠に勢いのある音楽だなあと感心してしまった。ついでに云うとカラヤン60’sという82枚組のCDボックスを買ってしまって、これを聴いているがまだ12枚目でなかなか大変である。でもベートーベンにしてもこの60年代の演奏は勢いと云う面では後年の演奏に勝るのではないかなあと思っている。ちなみに82枚でタワーレコードのネット販売では14000円しないで買えるのだから、演奏家には申し訳ない。このCDボックスの面白いのは各曲ともLPで発売された当時のままのカップリングとジャケットであることである。だから例えば春の祭典なら1枚のCDなのである。ベートーベンの「運命」だってそうなのである。ジャケットを含めてとても懐かしい。まあ余談です。
 小泉は今年のブラームスのピアノ協奏曲の、ものすごく素晴らしい指揮で圧倒されたが、代演の今夜も優るとも劣らなかった。
 なお写真はカラヤン60’Sの一部です。
                                                       〆

2012年7月15日
於:文京シビックホール(1階29列左ブロック)
 
ザ・シンフォニカ第52回定期演奏会
指揮:大山平一郎
ブリテン:青少年のための管弦楽入門
リヒャルト・シュトラウス:交響詩「ドン・ファン」
ブラームス:交響曲第四番
 
前半のプログラムは聴きそこなってしまった。ザ・シンフォニカは1986年に社会人や学生を中心に発足した楽団。過去定期ではマーラーなどにも取り組んでいて、アマチュアとはいえ、侮れない。
ブラームスの1楽章が鳴ったとたん、なかなか重厚な弦で、ブラームスの世界に引き込まれる。弦の配置は第一ヴァイオリンとチェロとが対面になっているのもきいているのかもしれない。ただ聴いているうちに少々問題が出てくる。金管や木管が入ってきて、音が混ざってくると、今一つ音に統一感が感じられない。特定の楽器が突出したりして音がうまく混ざらないように感じた。特に金管がそのバランスを壊しているように思った。もちろんホルンやトランペットにはところどころほころびが目立つがそれを云っているのではない。そんなことを云ったら在京のメジャーオーケストラだって時には外すことがあるのだ。これはライブだからある程度は致し方がない。しかしこのブラームスは音がうまく混ざらないというか、お互いに溶け合わないのが残念だ。例えば1楽章の最後の盛り上がり、ものすごい迫力で圧倒されるが、楽器が溶け合わず、各個が精いっぱい演奏するものだからブラームスの重厚感が希薄になり、突出した楽器がとげのように耳を刺す。これは3楽章のスケルツォもそうだ。ただその荒削りのところが魅力でもあり、一生懸命演奏しているのはひしひしと感じる。
 2楽章が最も物足りない。ブラームスの音楽の胸を打つような寂しさ、せつなさが伝わってこない。繊細なアンサンブルが出来上がっていないので、そういった音楽表現をするレベルまで、音楽ができていないように感じた。これは3楽章でも同様で、中間部の繊細な部分の表現が物足りない。スケルツォ部分が勢いがあって聴かせるのに、中間になって急に色あせるのは残念だ。
 4楽章は最もよかった、繊細な部分の各楽器は美しく、各変奏の変化も味わえる。ただやはりここでも若干の傷があってせっかく盛り上がるところで少々水を差したのは残念だった。終結部は今日の集大成のような勢いがあり、荒削りながら、凄い迫力、それに聴衆は押し切られた感じだ。練習時間も短い中で、精いっぱいの演奏を聴かせていただいて感動的だった。
 指揮の大山は初めてだが、楷書の様なブラームスで堂々としたものだ。オーケストラにあと少し柔軟さがあれば音楽にしなやかさがでてきてより一層感銘が深かったろう。演奏時間は39分強で、愛聴盤のクライバー/ウイーンの演奏と各楽章の演奏時間ともにほぼ同じと云うのは興味深い。
 文京シビックホールは初めてだが、少々デッドなホールトーンのような気がするが、豊かな響きも感じられて、立派なホールだと思った。もうひとつ椅子が実に座りやすく感心した。他のホールも真似して欲しい。
                                                       〆
 
 
 

↑このページのトップヘ