ぶんぶんのへそ曲がり音楽日記

オペラ、管弦楽中心のクラシック音楽の音楽会鑑賞記、少々のレビューが中心です。その他クラシック音楽のCD,DVD映像、テレビ映像などについても触れます。 長年の趣味のオーディオにも文中に触れることになります。その他映画や本についても感想記を掲載します。

2011年12月

2011年12月26日
於:サントリーホール(1階16列左ブロック)

東京都交響楽団スペシャルコンサート
指揮:大野和士
ソプラノ:天羽明恵
メゾソプラノ:小山由美
テノール:市原多朗
バリトン:堀内康雄
合唱:東京オペラシンガーズ

ブラームス:アルト・ラプソディ
ベートーベン:交響曲第九番・合唱付き

今年5回目の第九だった。今年の中で最良の演奏だったように思う。大野は今年の初めに新国立で「トリスタンとイゾルデ」を聴きそのドラマティックな指揮に魅了された。その彼がベートーベンをどう演奏するか楽しみなコンサートだった。
 1楽章は素っ気無い入りだ。思わずピリオド派かと思ったくらいだ。しかしそこからが違う、提示部での音楽は目の前に突然断崖が現れたごとく音楽が急変する。この劇的な効果は圧倒的で、その緊張感に肌に粟を覚えるくらいだ。展開部や再現部も下野と同様にティンパニやトランペットを強調して劇的効果を煽る。このトランペットは素晴らしい。そしてコーダがまたすさまじく、もやもやした音楽がだんだん膨れ上がる様はなんと形容しようか?
 2楽章は比較的快速である。ただものすごい前進力を誇示するような音楽ではなくむしろどっしり構えた音楽に聴こえるのが不思議だ。トリオはちょっと腰を落とし、実にチャーミングだ。嵐の中で一瞬垣間みる日の光のよう、オーボエの音がなんとも魅力的だ。
 3楽章は遅からず速からず中庸の進度だ。1,2楽章の緊張感とはうって変わったような爽やかな音楽が実に感動的である。後半若干進度アップするところはメトロノーム派の影響だろうか?
 4楽章は佐渡のようにテンポを少しいじりながらの演奏だが、自然な流れの中での音楽だから違和感は全くない。主題の提示までの長い序奏での、各楽章の主題の提示は実に印象的な出し方で、だからこそ恐る恐る出てくるあの有名な主題が効果的に響く。主部に入ってからのオーケストラの劇的かつ雄弁な音楽には魅了された。特にところどころ響く木管の強調(例えばソロの歌い手に寄り添うように)や金管の朗々たる響きは効果的だと思った。唯一違和感があったのは「喜びよ、神々のうるわしき火花よ・・」と歌いだす最後のソロの4重唱が私のイメージでは少々速すぎて落ち着かなかったこと。ただしその後の合唱から速度を落としたソロの4重唱、そしてプレスティッシモはまさに手に汗握る大熱演でこの曲を立派に締めくくったように思った。
 ソロは佐野の代演の市原を初め、ベテランの堀内など立派な歌唱、しかし感心したのは合唱陣の充実振りだ。合唱は各声部ごとに並ぶのではなく1列目に女声部、2列目に男性部と横に大きく広がって並ぶ。都響は毎年このようだ。パノラマ効果もでているのではないだろうか?
 大野の指揮は下野のようにかっちりとしていて、ひとつひとつの楽器に丁寧に指示を出しているのが印象的。
 演奏時間は1楽章15分強、2楽章11分強、3楽章15分、そして4楽章は24分で演奏時間で見ると伝統型である。しかしトータルは65分は伝統型では速い方である。佐渡も伝統型だが彼の演奏時間は約70分であり、大野とは印象がかなり違う。大野は伝統を生かしつつも全体を圧縮しているように感じる。そこに緊張が生まれて、アウトプットとしての音楽にもピンと張り詰めたものが感じられたのかもしれない。あて推量だが下野も大野もピリオド型(メトロノーム型)を相当研究しているのではないだろうか?
 最近面白いベートーベンの演奏を2セット聴いた。一つはシャイー/ライプチッヒ、もう一つはティーレマン/ウイーンだ。2つの演奏はまるで違う。しかし共通点が一つある。それは二人の指揮者はピリオド派の洗礼を受けながら、モダンオーケストラでそれぞれのベートーベンを再創造したことだ。ただ二人の立ち位置が違うことから出てきた音楽も違う。それはシャイーはメンデルスゾーンの時代のメンデルスゾーンが指揮していた、ライプチッヒの音楽を再創造しようとしている(レコ芸のインタビュー)し、ティーレマンはメトロノームは意識しつつも、フルトベングラーやカラヤンなどの伝統的なベートーベンを志向(CDの付録のDVDなどによる)しているからだろう。下野は1・2と3・4楽章のスタイルを変えることによる、ピリオド型と伝統型との折衷で解決しようとしたように思えるし、大野は圧縮によってピリオド型を生かそうとし、なおかつ伝統のスタイルを尊重しているように思える。私には佐渡にはピリオド型の影響はあまり感じれなかった。次の世代を背負っているシャイーとティーレマンの2セットのベートーベンはまた新しいベートーベンの音楽の再創造への道を切り開いたように私は感じた。
                                            〆

2011年12月22日
於:東京オペラシティコンサートホール(1階28列左ブロック)

東京フィルハーモニー交響楽団100周年記念特別コンサート
指揮:佐渡 裕
ソプラノ:横山恵子
アルト:谷口睦美
テノール:西村 悟
バリトン:甲斐栄次郎
合唱:東京オペラシンガーズ

昨夜に続いて大変立派なベートーベンを聴くことができた。このような水準ならわけのわからない外国の指揮者など呼ぶ必要は全くないのだ。
 今夜は特別コンサートということで定期とは違って何か女性客が多く年末にふさわしく華やかな印象。
 佐渡の演奏は演奏時間だけで見るとこてこての伝統型である。1楽章16分強、2楽章12分強、3楽章16分弱、4楽章25分。こういう演奏もたまに聞くととても良いと思った。佐渡の指揮はどちらかというと流麗で滑らかな音楽を作ろうとしているように感じられた。そういう意味では3楽章が今夜の白眉だと思う。主題が提示され変奏に入ってゆく流れの中で汲みだされる音楽の美しさは私が聴いたライブの中でもベストにはいるだろう。もう胸が一杯になってしまう。佐渡は指揮棒をもたず指揮したが誠に真摯な指揮ぶりで感動的な3楽章だった。4楽章も堂々たるものだが私には少々小細工が多く煩わしく感じられた。例えば序奏の後、主題が提示されるまでの間が異様に長く煩わしい。またコーダの入りも何やら勿体ぶったようなゆっくりした入りでここも自然な流れから生まれた音楽とは思えない。ただそうは云いながら合唱によるフーガの後から最後のプレスティッシモまでの音楽は、興奮させるだけの説得力があることも確かだ。下野と同様佐渡も次の成長へ向けてのステップとしての演奏と位置付けたい。
 一方前半の2楽章は伝統型にしては、苦悩や闘争の様を音楽で示せたかというと、ちょっと物足りない。流麗さや滑らかさを優先させたためか、厳しい音楽には聴きとれなかった。ここは下野/読響の音楽のほうが劃然として、私のイメージには合っている。
 佐渡の指揮ぶりは下野のようにかちっとしていなくて、悪く言えばロートレックの絵の「骨なしヴァランタン」みたい。バーンスタインの真似だろうか、時々飛び上がる。こういうのは自然の動きではなく、パフォーマンスとしか思えない。立派な体をしているのだから指揮台でどたばたせずどっしり構えた指揮をしてもらいたいものだ。
 東フィルも力演だった。ただ席が後ろ過ぎたせいか、はたまたオーケストラが雛段に並ばなかったためか、金管や木管がマスクされたように聴こえた。まあ間接音中心でそれはそれで良いのだがダイレクトな迫力には欠けたように聴こえた。合唱は昨夜と同じ規模で昨夜以上に安定しているように感じた。ソロは横山がビブラートが強くて少々違和感を感じた。
                                 
                                     〆

2011年12月21日
於:サントリーホール(2階3列右ブロック)

読売日本交響楽団第544回サントリー名曲シリーズ
指揮:下野竜也
ソプラノ:木下美穂子
メゾ・ソプラノ:林 美智子
テノール:高橋 淳
バリトン:与那城 敬
合唱:新国立劇場合唱団

ベートーベン:交響曲第九番・合唱付き

オーケストラのチューニングが終わって、指揮者が登場、あの1楽章の音がすぐ出ると身構えたところ、下野がマイクを持って挨拶を始めた。全く予告なしである。指揮者が登場したら余計な能書きは後にしてまず音楽で勝負すべきだと思う。しかもそのスピーチのあと「カンタベリー・コラール」という曲を弦楽だけで演奏したのだ。これも予告なしだ。少なくともプログラムに書いてない行動をとる場合は告知する必要があるのではないか、と私は思うのだが如何だろうか?むしろ今年最後の読響名曲なのだから、プログラム終了後でもよかったのではないだろうか?それより何より指揮者の気持ちは音楽で語って欲しいのだ。

 下野は先日のこのシリーズでのドヴォルザークに大変感心してしまった。今夜も楽しみにしていた。NHKの番組で彼の指揮についての姿勢を聞いたことがあるが、開演ぎりぎりまで楽譜を読んでいるとのことである。
 今年、第九を聴くのは今夜で3回目である。最初はブリュッヘン/新日本フィル、2回目はホグウッド/N響である。いずれも古楽の大家によるもので大変面白い演奏だった。古楽の人たちのベートーベンはメトロノームに比較的忠実に演奏しているようだ。シャイー/ライプチッヒ(CD)もモダンオーケストラだが立ち位置がメンデルスゾーンの時代ということで、メトロノームに忠実に演奏しているそうだ。彼らメトロノーム派の特徴は演奏時間だけで見ると、1楽章が快速で2楽章のスケルツオが遅め(指揮者によってはテンポが逆転している)で大体1と2楽章は同じ演奏時間であるのが特徴だ。3楽章は快速(12分などというのもある)、4楽章も20分強と快速である。一方フルトベングラーやカラヤンなどのドイツの伝統的な指揮者達は1楽章は15分から18分くらいの遅め、2楽章は快速(カラヤンなどは10分)である。1と2楽章の時間差はフルトベングラーは6分、カラヤンは5分と差が大きいのが特徴である。そして3楽章はとても遅い(フルトベングラーは19分)、4楽章は25分前後である。メトロノーム型は全体としては起伏が少なくたんたんと終わってしまう印象が否めない。ホグウッドの先日の演奏での聴衆の反応がいまひとつだったのはそのせいかもしれない。一方伝統型は起伏が大きくドラマティックである。ベートーベンがどちらを好むかはわからないが、私は最近メトロノーム型のさっぱりした演奏を好んで聴く。フルトベングラー/バイロイトの演奏はなるほど感銘を与えるが、何度も聴いているとちょっとわずらわしくなって、いまではほとんど聴かない。面白いのはラトル/ウイーンの演奏だ。彼は伝統破壊型のはずなのに演奏時間をみると伝統型である。しかしやりたい放題やっていて4楽章の9節目の兄弟よと歌うところはわざとらしく強調したりしていて面白いこと極まりない演奏だ。ジンマン/チューリッヒ(CD)も面白い演奏で4楽章などは思わず可愛らしくて笑ってしまう。とにかくこの曲はいろいろなやり方があるのだ。それにしても今月のレコ芸で宇野氏がティーレマン(CD全集)をべたほめ、シャイー(CD全集)をけちょんけちょんに評していたが、私にはそれほどひどい演奏とは思えなかった、というよりもとてもみずみずしい演奏だと思った、皆さんはいかがでしょうか?

 さて、前置きが長くなったが下野の演奏はどちらかというと折衷型だ。1楽章15分、2楽章13分、3楽章13分、4楽章22分の演奏時間だ。1楽章は堂々たるもので下野の指揮の切れ味を感じる。再現部でのトランペットとティンパニの強調は肌に粟を覚えるような効果だ。起伏も大きく伝統型のベートーベンを感じた。2楽章も同様でスケルツオを速め、トリオを幾分遅めにしている。これも立派な演奏であり起伏も大きく、伝統型に近い演奏だと思った。しかし3楽章は突如快速になってしまってさらさらさらと進む。そして4楽章も22分と快速であり、後半2楽章はメトロノーム型のような演奏時間だった。これはおそらく下野が楽譜を読み込んだ結果の現時点でのアウトプットなのだろう。1,2楽章があのような堂々とした演奏だったので、あのパターンで突っ走った3,4楽章を聴いてみたかったというのが率直な印象であった。表現は悪いが画竜点睛を欠くの感あり。
 ソロ陣では高橋が実に堂々たる歌唱であった。合唱は80人程度の比較的小さな編成だったが爽やかな印象であった。大合唱団に浸るのも良いが、こういうスタイルも悪くないと思った。読響も素晴らしい。ほとんど傷がないのは当然にしても、ドヴォルザークで感じた下野の指揮に対する鋭敏な反応は今夜も感じられた。

 明日は佐渡/東フィル、26日は大野/都響でこの曲を聴くが日本の俊秀たちの競演が楽しみである。
                                           〆

2011年12月20日
於:サントリーホール(2階LCブロック)

東京都交響楽団第727回定期演奏会Bシリーズ
指揮:エリアフ・インバル
ヴァイオリン:ジュリアン・ラクリン

ショスタコーヴィチ:ヴァイオリン協奏曲第一番
           交響曲第十二番「1917年」

先週に続いてインバル/都響によるショスタコーヴィチの演奏。ヴァイオリン協奏曲は良く演奏されるポピュラーな曲で、CDでも時々聴くが、どうしても1楽章がつかみどころがなく困ってしまう。今夜もそうだった。2楽章以降はユーモラスな2楽章、冷たい美しさをたたえた3楽章、そして民族的な舞踊のような4楽章と、とても魅力的であるが、今夜の演奏は少し立ち位置が違うように感じた。
 3楽章はとても美しかった、このヴァイオリンの音は本当に魅力的だ。楽器はストラディヴァリ1704年「エクス・リービッグ」。先日のバティアシビりもストラディヴァリだった。いつも思うのだがちょっと名の知られたヴァイオリニストはみなストラディヴァリを使用しているが、一体世界に何丁あるんだろうなどとつまらんことを思ってしまう。まあ余談ですが。
 このラクリンというヴァイオリニストはリトアニア生まれの37歳、この3楽章を単に美しく弾くだけではなく深い悲しみを湛えたように聴こえた。特に変奏曲の前半は、五番の3楽章のように胸がかきむしられるような異様な気分にさせられた。そして前後するがユーモラスな2楽章はユーモラスというよりも、何か鬼気迫るような迫力があった。舞曲風の4楽章は超難度なのだろうが、軽がると弾くだけでなくオーケストラのコンサートマスターや首席第二ヴァイオリンに挑みかかるように弾く。時には観客席にも迫る勢いで弾く。実にアグレッシブでスリリングで手に汗を握るような演奏だった。これはライブでしか味わえない面白さだろう。都響/インバルももちろんそれに呼応していたのはいうまでもない。アンコールはバッハ無伴奏パルティータからサラバンド。これは少々甘めの、例えは悪いが、ムード音楽調だが、とてつもなく美しい。

 十二番の交響曲は1917年の10月革命の指導者レーニンの思い出に捧げる音楽。ショスタコーヴィチが共産党員として認められた1960年の翌年に初演されているところから、その代償ともみなされよう。音楽はそれに相応しく、特に両端楽章がそうだ、時には退屈になるくらい単調だが、オーケストラの妙技を楽しむなら最適だろう。主導動機が何度も出てきて辟易させられるが、最後はその凱歌のような音の洪水に巻き込まれ、興奮してしまった自分が不思議だ。作品の持つ力か、インバルの力技かどうかはわからない。ヤンソンス/バイエルンのCDを聴いた限りではそこまでは興奮しないので、やはりライブの力かもしれない。
 インバルの演奏は両曲とも少々速いテンポだったが全く違和感がなかった。都響の力演もめざましく、2曲目の交響曲の4楽章などはサントリーホールの天井が抜けそうなすさまじさで、まさに大編成のオーケストラを聴く醍醐味を味わうことができた。
                                            〆

2011年12月12日
於:東京文化会館(1階11列右ブロック)

東京都交響楽団第726回定期演奏会
指揮:エリアフ・インバル
チェロ:ガブリエル・リプキン

ショスタコーヴィチ:チェロ協奏曲第二番
          交響曲第五番

五番の交響曲は避けてきた曲だが、今年になってこの公演を含めて3回も接した結果、この曲への印象はかなり変わってきた。その一番のきっかけは10月15日の新日本フィルの定期でメッツマッハーの指揮で聴いてからである。1楽章と4楽章の形容しがたい大きさと、ただごとでないこの美しい3楽章は圧倒的だった。ああこういう曲なのか!と改めて思った。笑いと悲しみを両面もつのがショスタコーヴィチの特徴らしいが、その裏に隠された肌に粟を覚えるような音楽の仕掛けが、身震いするほど美しく感じる場合と恐ろしくさえなってくる場合と両面持っているようだ。もうひとつのきっかけはヤンソンス/ウイーンフィルによるライブ録音である。これは悲愴さとか、メッツマッハーが感じさせてくれた鋭利な刃物のような肌合いはなく、そういう精神性よりもとにかくこの音を聴き給えといわんばかりの爽快感がたまらない。こういう聴き方でもいいじゃないかといわせるだけの説得力のある演奏だと思った。ウイーンフィルの美しさは筆舌尽くしがたい。
 さて、今夜のインバルの演奏では2楽章のユーモラスな部分とその後に続く3楽章の悲痛なまでの美しさの対比がとてもよく感じられた。同じ楽章の中でも2楽章の矢部のソロもユーモラスでもあり不気味でもあって両面を気づかせてくれた。インバルの演奏は鋭さよりももう少しおおらかなところがあるように感じられた。しかし全体を通じて圧倒的なのはなんと言っても4楽章だろう。この音の洪水は四の五のといわせないなにものかがある。そしてインバルも都響もそれを立派に再現してくれた。弦はまったくうるさくなく、重量感もたっぷり、金管や木管の存在感も大きく、また多くの打楽器も生き生きして聞こえた。ライブ収録していたようでいずれCDになるのかもしれない。

 チェロ協奏曲はリプキンというイスラエルのチェリストによる演奏。かなり神経質な方のようでアドレスにはいるまでにかなりの時間をかけていたのが印象的。この曲は1966年に作曲され初演されただけになかなか骨だった。正直言って耳に優しくないのでメロディーがなかなかつかめず苦労した。まあ予習しなかった罰だ。

 しかし、今日の一部の聴衆の傍若無人ぶりにはあきれるというよりも怒りを覚える。最初のチェロ協奏曲はチェロと小太鼓が消えてゆくようにリズミカルな音をだして終わるのだが、それが未だ終わらないうちにもうブラボーである。何故もう一呼吸待てないのだろう。次の五番の交響曲も4楽章の最後の大太鼓のドーンという音の余韻が消えないうちにもうブラボーである。ブラボーを先に言わねばならぬ、との強迫観念にとらわれているようにしか思えない。もう一種の病気だろう。最近一部の聴衆のマナー違反には本当にいらいらさせられる。注意することも必要かもしれないが、私は注意した後かえって不快感が残る、逆の場合もあるので極力しないようにしている。ゴルフと同じで、あるがままに音楽を聴くことに努めている。もしそのことによって気が散って音楽に集中できなければそれは自分の問題、と思うようにしている。悲しいことだ。マナー違反者は決して若い人ばかりではなく、おそらくかなり音楽を聞きこんだような年配の方も多い。むしろなまじコンサートに慣れているゆえにかえって傍若無人になるようだ。先日あるコンサートで隣の年配の男性が靴を脱いで足をくみ出した。しかもその足の裏を私のほうに向けてである。思わず顔を見てしまった。又その方は当日配られたアンケートをひざの上においており時折発するそのしゃかしゃか云う音はかなり気になった。楽団や劇場の関係者にお願いしたのだが当日聴衆にはプログラム以外のチラシやらアンケートなど配らないで欲しい。余計なものがあるとそれがノイズの発生原因になるのだ。こういう日は、もう家でCDを聴いていたほうがよっぽどましだと思ってしまう。余談でした。
                                           〆

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